Federico García Lorca: sobre ser poeta y dibujante, sobre la muerte

Imagen de la fotografía sobredibujada de  F.G.L. Barcelona, 1927. 131 x 90 

Inscrip: "Urquinaona", "Hola hijo! / aquí estoy!" 

 

El día de hoy, 18 de agosto de 2026, se cumplen 90 años del asesinato, -a un mes de iniciada la guerra civil española- del poeta de Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, Granada 5 de junio de 1898-.camino de Viznar a Alfacar, Granada, 18 de agosto de 1936). 

Mi amigo Élmer Szabó (Budapest, 1940-2001, Caracas), poeta venezolano, cuya familia, -huyendo de la postguerra- emigró a Venezuela en 1947 refería la siguiente cita de Marx: "los poetas son unos tipos raros, con los cuales hay que ser tolerantes" y ésta es, una de las frases más exactas sobre los poetas, porque ¡que incómodo es el oficio del poeta! más aún del poeta que dibuja, ese que desviste vestiduras aparienciales, mejor sería tenerlos en libros, en preciosas ediciones, sin bulla, sin necesidad de alimentarles, sin sus impertinencias, para así no ser observados por sus agudos ojos, y si se puede dejar su obra en una gaveta mejor aún, porque así luego podrían reírse del ridículo intento de lo que en vida procuró construir, lo que él llamaba obra.

En Piedra Negra sobre piedra blanca, César  Vallejo, el imprescindible poeta peruano, también de ese tiempo terrible escribe: 

César Vallejo ha muerto, le pegaban
todos sin que él les haga nada;
le daban duro con un palo y duro  

Sin duda, no hay manera de comprender todo lo que puede llegar a molestar un poeta, eso es indescriptible. El trabajo de la poesía y del arte es la de observar y construir lenguaje y siempre es político, siempre es en nosotros, si no se es pueblo, si no se nutre de la voz del pueblo es falso. Por eso la mirada del poeta suele ser tan incómoda. Necesita de lo popular pero a la vez se construye en solitario, si el poeta es además dibujante, su trabajo es doblemente solitario, porque el oficio de las artes plásticas es también es ajeno a las multitudes. El trabajo del arte y la poesía es a tiempo completo, no hay manera de pagarlo porque cuesta la vida, va con sangre, parafraseando al poeta argentino Juan Gelman es el Juego en que andamos, eso es sumamente incómodo, apostamos (sólo una apuesta, válgame saber si atinamos) a la eternidad. 

Obra y vida, vida y obra en su lugar y su tiempo, en lo que les ha tocado vivir, percibir, pero todos en la carrera hacia la impostergable y consciente mortalidad. 

Federico García Lorca en su Teoría y Juego del Duende, nos da ejemplos interdisciplinarios sobre lo que significa escribir versos, sus ejemplos nos remiten a la pintura, a la música, a la danza, al performance y por su puesto a la poesía. Sus estudios de filosofía y letras más la convivencia de García Lorca en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde entabló amistad con Salvador Dalí, Luis Buñuel, Jorge Guillén, Rafael Alberti y Pablo Neruda, además de sus posteriores viajes a La Habana y Nueva York abonaron en él la construcción de un lenguaje que no solo se expresó en versos, sino en la dramaturgia y en el dibujo. Esos pequeños dibujos que iba realizando el poeta, las dedicatorias en las portadas de los libros que obsequiaba, las servilletas en las que trazaba lineas mientras estaba en algún café, forman parte del proceso de la obra del poeta. ¡Y que regalo es verlas! Durante mis años de estudiante de artes plásticas,  pasé un día por la tienda del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, -más o menos en el año 2000-, en esa tienda habían joyas realizadas por orfebres y diferentes souvenires, entre ellos descubrí un tesoro, un catálogo con los Dibujos de Federico García Lorca, lo adquirí y desde entonces me ha acompañado y he compartido con mis estudiantes. Sus dibujos, más de 400 aparecen en ese libro, cuyo proyecto y catalogación estuvo a cargo de Mario Hernández, y fue una exposición itinerante de los dibujos de García Lorca realizada en el año 1987 en las ciudades de Caracas, Buenos Aires, Montevideo, México D.F. y Nueva York. Una coedición de la Fundación Federico García Lorca, el Ministerio de Asuntos Exteriores de España, el Instituto de Coperación Iberoamericana y el Comité Conjunto Hispanoamericano para la Cooperación Cultural y Educativa de Madrid. De este libro coloco acá algunas imágenes que me conmueven especialmente.

 

Imagen: Dibujo de F.G.L. 1934.

Cabezas cortadas de Federico García Lorca y Pablo Neruda

Tinta china sobre papel amarillento

Inscrip: "Cabezas cortadas de Federico García Lorca y Pablo Neruda/ autores de este libro de poemas. / Este Patético dibujo fue realizado la tarde del Martes 13 de 1934 en la ciudad de Santa Marta de los Buenos Aires así como todos los demás / dibujos-"

 

 Imagen: Dibujo de Federico García Lorca

Verde que te quiero verde, 1930. Tinta verde y azul y lapicero de color rojo frente a Romancero sonámbulo.

  

Las conjeturas sobre las circunstancias de la muerte del poeta, que realizó su obra en medio de un tiempo de extremismos políticos y fue víctima durante la guerra civil española, es trabajo de criminólogos. Los sociólogos, economistas, historiadores y periodistas nos darán sus versiones de lo que pudo o no pasar, algunos harán películas, poemas, canciones sobre lo sucedido, sin embargo, la muerte de un ser humano es es irreversible, por eso, reflexionamos hoy sobre el oficio de poeta, su fragilidad, su relación con la vida y su tiempo.

Para cerrar este pequeño homenaje, dejo acá un poema del argentino Juan Gelman, necesario para la lectura y conjuro sobre la muerte, que así sea.

 

                                                                         Ximena Benitez

                                                    Caracas, 18 de agosto de 2026 

 

Imagen: Dibujo de F.G.L.

Autorretrato con animal fabuloso abrazado 1929-1931. 250 x 200 

Tinta china sobre papel de dibujo recortado 

«Muertes»

un día vi pasar a la muerte / no iba a caballo /chillaba
como las golondrinas alrededor de santa maría maggiore / es
triste la muerte así / lo digo en serio y por las dudas
que alguien no sepa que una muerte así es triste

esa muerte chillaba como un condenado / no la favorecían
el bello estío las fuentes las mujeres que ella dejaba transitar
como calor fuego o piedad / la muerte esa
no valía un centavo en ningún lugar del mundo

por empezar no era necesaria / no tenía aventuras ni corajes / no
cantaba / no era capaz de hacer cantar / no usaba medias azules / sus ojos
chillaban como golondrinas cortando la tarde alrededor
de santa maría maggiore / lo digo yo que la vi / daba

lástima o pena esa muerte a cocheros caballos
suaves en la mitad del día / muerte sin gusto / sola / infeliz /
muerte vieja / sin
volar /sin hilo en los piecitos / chillando
en la mitad de la plaza

cuando terminó de pasar tuve miedo
no quiero ver nunca más a esa muerte
de todo corazón no quiero verla nunca más
especialmente el día de mi muerte

 

Juan Gelman, Hechos y relaciones, 1980.

 

qué lindos tus ojos / Juan Gelman

 

 

 

 

Cielo de Caracas, 13 de agosto de 2026

Imagen: Ximena Benítez 

 

 

qué lindos tus ojos/
y más la mirada de tus ojos/
y más el aire de tus ojos cuando lejos miras/
en el aire estuve buscando:


la lámpara de tu sangre/
sangre de tu sombra/
tu sombra
sobre mi corazón/

---

quí lindus tus ojus/
il mirar di tus ojus más/
y más il airi di tu mirar londji/
nil airi stuvi buscandu:
la lampa di tu sangri/
sangri di tu solombra/
tu solombra
sovri mi curasón/

 

Juan Gelman, Dibaxu. Seix Barral , Biblioteca Breve,1992. Imagen de la portada Carlos Gorrianera, La sombra como un río, 1992. Colección Luis Ovsejevich. Premio Primera Bienal de Pintura de la Fundación Komex, 1992.

 

 

Sobre Dibaxu:

De la obra de Juan Gelman uno de los poemarios más hermosos es Dibaxu, escrito en sefardí, porque el poeta nos regala dos castellanos, el del siglo XVI y el actual, nos explica en el Escolio de este libro que él es de origen judío, pero no sefardí, sin embargo, luego de escribir dos libros en el exilio (Citas y Comentarios)  necesitó buscar los orígenes de la lengua en la que escribe, al final nos dice: Acompaño los textos en castellano actual no por desconfianza en la inteligencia del lector. A quien ruego que lea en voz alta en un castellano y en el otro para escuchar, tal vez, entre los dos sonidos, algo del tiempo que tiembla y que nos da pasado desde el Cid.    

 Hoy estuve recordando la obra del maestro a quien he querido tanto por su poesía, la tarde me regaló una imagen que les comparto y pienso va con ese magistral poema. Deseo saber qué nos dejó Gelman en su mensaje al futuro en el año 2050.                

                                                                                    Ximena Benítez. Caracas, 13 de agosto de 2026                     

 

Juan Gelman (3 de mayo de 1930, Buenos Aires-Ciudad de México, 14 de enero de 2014)

Galardones:
Premio Nacional de Poesía de Argentina
(1997), Premio Juan Rulfo (2000), Premio
Reina Sofía de Poesía Iberoamericana
(2005), Premio Cervantes (2007), entre
otros.

Mensaje al futuro:
El 25 de abril de 2008 depositó un mensaje en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes que no seabrirá hasta el 2050.

 

 

Semblanza de Douglas Lamont

 

Douglas Lamont, 1998. 

 

                    

Douglas José Lamont Ramírez  (Caracas, 3/12/1967-San Diego de los Altos 12/04/1999). Estudió Arte Puro mención Pintura en la Escuela de Artes Visuales "Cristóbal Rojas" durante los años 1990-1994, allí recibió clases de los maestros Roberto González, Andrés Guzmán, Antonieta Sosa y Pedro Terán, entre otros. En el año 1994 ingresó en el Instituto Superior de Artes Plásticas Armando Reverón en Caracas. 

Desde joven Lamont investigó sobre diferentes religiones y filosofías, los Hare Krishna, los Devotos de Sai Baba, el hiduismo, llegando finalmente al budismo tibetano. Fue vegetariano durante buena parte de su vida. Era un amplio conocedor de la música de Nuestra América, tocaba flauta y quena. Tenía un fuerte vínculo con la naturaleza.  

Era el menor de cuatro hermanas, fue amamantado por su madre -Julia Ramírez- hasta cumplidos los siete años de edad, tenía una nana, una cuidadora (ahijada de su mamá), una mujer muy sensible e intuitiva. Su madre lo amó como solo se puede amar al único varón y al más pequeño de sus hijos. Su padre trabajó en el Instituto Nacional de Obras Sanitarias de Venezuela, era un hombre de familia, hijo de madre y padre francés. Douglas recordaba la deliciosa sopa de cebolla realizada por su abuela paterna. Buena parte de los terrenos de Paracotos eran de la familia de su abuela, ella y su abuelo cultivaban el campo y ella renunció a esa herencia porque no quebrantaría su felicidad en esas tierras por discutir por dinero. Tiempo después pude apreciar una fusta de arreo que realizó su abuela, era una pieza bien trabajada, tenía cacha de hueso tallado engastada en metal con cuero finamente curado y trenzado, una joya hecha a mano. El señor Lamont era un gran conversador, con él se podía hablar sobre cualquier tema. Las hermanas de Douglas eran un mundo, cada una con su familia, con sus hijos y todos los sobrinos adoraban a su tío. El tiempo transcurría entre Caracas y Ocumare del Tuy de los años 90 del siglo XX, visitábamos museos, recitales de poesía, conciertos y galerías de arte, reuniones con artistas y poetas, construíamos nuestras obras en una vida común en función del mutuo descubrimiento del arte y la literatura.

El trabajo plástico de Douglas Lamont tendía a sugerir, a pensar, a suscitar sensaciones. No dejó registro de su trabajo, ni conservé obras suyas. Lamont utilizaba elementos naturales, toncos de madera, alambres, ganchos de ropa y realizaba con ellos instalaciones en las que importaba la disposición espacial y el juego de luces y sombras. Recuerdo una obra suya, era bidimensional de mediano formato (más o menos 80 x 1 metro) en la que intervino una madera con un trozo de papel al que le realizó transferencias que luego aplicó pastel y carboncillo, la madera estaba pacientemente laqueada y se podía apreciar una cierta profundidad. Siempre la conciencia del valor del vacío como posibilidad, lo sensorial, la investigación de materiales, el sugerir más que lo explícito o lo obvio, el misterio siempre. Así era él, sus palabras, su silencio, su sonrisa y profundad, lo cristalino de su voz y lo perenne, la plenitud. 

Visité con él la escuela de arte desde los 17 años, me presentó a los artistas y comencé a comprender el lenguaje y el mundo de las artes plásticas, asistí como oyente a sus clases con Pedro Terán, visitábamos museos, recitales de poesía, conciertos y galerías de arte, reuniones con artistas y poetas, construíamos nuestras obras en una vida común en función del mutuo descubrimiento del arte y la literatura.

Douglas siempre aupó mi trabajo con la poesía, disfrutaba la ironía de mis textos, fue un cómplice perfecto y comprendía la relación entre literatura y arte, realizamos performances, crecíamos juntos, poseía una gran sensibilidad, era inteligente y empático, con gran sentido del humor. 

La última de obra de Douglas no llego a materializarse,  me la contó unos días antes de su muerte en el año 1999, consistía en lanzar al cielo un globo con luces encendidas dentro, una obra acontecimiento que imagino hoy que llevaría  palabras escritas y surcaría lo inmenso en mitad de la noche. 

Ximena Benitez

Caracas, 13 de febrero de 2026

  

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Performance e instalación de Ximena Benitez con participación de Douglas Lamont

Entrega de una clase de Lenguaje Plástico de la maestra Antonieta Sosa en el Instituto Superior de Artes Plásticas Armando Reverón de Caracas, año 1995.

Douglas apareció como un personaje que invitaba a ingresar en un ámbito lleno de texturas realizadas con papel sanitario en el suelo, había una suave música que recibía a los espectadores a ingresar en el espacio, se les invitaba a pasar descalzos

 

 

 

    

 

 

 

 

 

Mientras la música se volvía más dinámica Liseth y Carlos Vega se integraron al performance y crearon "la señorita diarrea" 

 

 

 

 

 

 

Dentro del espacio había una mesa con una caparazón de morrocoy, papel sanitario y trozos de pelo cortados 

   

    

 

Nydia Goiticoa, Andreina Mibelli y Andrés 

 

 

 

 

Antonieta Sosa y Luis Eduardo Cabrera (Chacho) 

con los estudiantes Fabian Andrés Saraza, Guillermina Ramírez y Kiangsi Alfonso).

 

 

Este performance con instalación pretendió denunciar el sistema que nos conduce a la muerte de la naturaleza y con ello lo humano. Todo sucede como en una danza en la que confluimos sin advertirlo y hasta contentos. Los trozos de cabello sobre la mesa y el caparazón de morrocoy deseaban mostrar la naturaleza y a lo que nos reduce el espectáculo y lo superfluo de lo cotidiano que pasa muchas veces sin que lo podamos advertir.  

 

 

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Recital de Poesía en Las Mercedes, 

Caracas, 1998. 

 

 

 

Recital de poesía acompañada por Douglas en una plaza pública en Las Mercedes, no teníamos micrófono con sonido, así que improvisamos solicitando a la policía un parlante, nos lo prestaron. 

Douglas comenzó a llamar a los transeúntes que pasaban por la plaza y luego realizamos iniciamos el recital. 

 

Fabian Andrés Saraza repartió a los asistentes cartas, de acuerdo a las que salían recitaba sus versos

 

   

   

Entre los asistentes al recital estaban Federico Melo, Erika Reginato y Alfredo Herrera Salas.

 

 

 

 

 

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a Douglas

 

quiero golpear tu sangre contra mis pechos

y dibujarte una arañita triste

incandescente

salida de mi sien

como huracán en alas al destierro

 

quiero

robarte el paraíso en seco

oler tu musgo sin tocarte ni un centímetro

encontrarte petrificado

en la sonrisa del andamio adepto a mis labios

si no fuera por toda esta gente

si no fuese por todo este odioso milenario retorno

de los últimos segundos

te dibujaría tan vez

una arañita alegre 

 

Poema escrito en 1996 y publicado en Temporales en Extramuros, Fondo Editorial IPASME, Caracas, 2007.

 

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El espacio guarda instantes
sintaxis de objetos
vibraciones
lo de afuera parece estar completo
pero es reflejo
de lo que pasa
en un continuo fuego
en perfilar de la distancia
Las edades y sus ilusiones
las lógicas y sus “verdades”
conduciendo a un recoveco desorientado
No se encuentran
se anima la naturaleza de lo ido y lo porvenir
es el enigma de la hoja enmohecida / naciente
la montaña quemada
todo reverdece
se va

Habrá
habrá y nada menos la muerte
porque el amor fue en ti prenda de luz
fuimos perfectos dioses
porque supimos cobijarnos en la tormenta
y aunque tu sueño terminara antes que el mío
teníamos el mismo / soñábamos el mismo
En un hueco del tiempo -pliegue temporal-
me hallé sin ustedes
ese día sentí terror
los oía conversar animados
los llamé a gritos
y no me escuchaban
(creí que yo no existía)
en realidad
supe que no estarían más conmigo
hasta que vinieron
a abrazarme

 

 

 

Ximena Benítez. Íntima obediencia. Editorial Giraluna, 2022. 

 

LUNISOLIO

Ximena Benitez: LUNISOLIO, Instituto Superior de Artes Plásticas Armando Reverón, Caño Amarillo (1999).

"Lunisolio" instalación realizada en el Taller de Escultura III para una entrega solicitada por el profesor Luis Marin en el año 1999. 

El lugar intervenido fue un foso al cual se accedía por una escalera, descendiendo por los peldaños se leía: LUNISOLIO una palabra compuesta, de luna, sol y soledad.  

En el fondo del foso había una fina capa elaborada con harina de trigo, óxido azul formando una X o una cruz + intervenida con crisantemos amarillos. La X por la inicial de mi nombre, la cruz por la muerte de una etapa de mi vida, pues estaba elaborando un duelo. La cruz también simboliza en LUNISOLIO una rosa de los vientos, las coordenadas de lo que debía continuar.

Ximena Benítez 

Caracas, 2025

                    LU

                    NI

                      SOL

                     SOLIO

La harina de trigo en ésta instalación simbolizó incertidumbre, alimento, levedad y al mismo tiempo contacto con la tierra. Es un elemento que ya había trabajado anteriormente, solo que sin cocerla. Azul es mar y cielo. El amarillo y el olor de las flores en este caso es muerte e incandescencia. X o Cruz. Rosa de los vientos, puntos cardinales: norte, sur, este y oeste. Lunisolio tiene a su vez un poemario que se construyó en ese momento: Zona Ubicua, este fue publicado en el año 2007 por el Fondo Editorial Ipasme formando parte de Temporales en Extramuros. 

Cangrejo, un legado de arte y vida

 

 

Serie De la Escena. Dibujo de Abraham García (Cangrejo) 

La crónica que nunca quisiste escribir

Efraín Huerta

Cierto día, luego de una de mis clases en la Universidad de las Artes, un estudiante me invitó a un "toque" que realizaría con unos amigos, cuando asentí, pasó a mi teléfono la imagen de una entrada muy bien diseñada con la fecha, hora y dirección del evento: se trataba de la Suite de Fuego, ubicada en la urbanización La Campiña en Caracas. Fui con mi esposo, Leo Granado, tomamos un taxi y al revelarle el nombre del lugar el muchacho que manejaba el vehículo nos dijo: "no sé donde queda", luego de dar varias vueltas, -no había aviso por ninguna parte-, llamamos al teléfono que nos indicaba la entrada y llegamos al lugar guiados por la productora del evento, una joven muy amable y diligente: Alieska Moreno. Nos recibieron en una sala con libros y afiches en las paredes, nos dieron una copita de buen cocuy, luego nos percatamos que estábamos conversando con los músicos: Wahary Meléndez (que fue quien me invitó), Bolívar Caribano, Kreils García y Cangrejo. 

 

 

 

 

 

 

Serie De la Escena. Dibujo de Abraham García (Cangrejo) 

 

 

 

Conversamos sobre variados temas, se trataba de una audiencia mínima, algo muy cálido, luego de un rato nos pasaron a la sala contigua: allí nos sentamos en unos puf y nos colocamos unos audífonos, en el mismo espacio estaban los músicos y sus instrumentos y comenzó el exclusivo concierto, algo mágico, un verdadero privilegio poder escuchar, ver y compartir la música recién compuesta por los jóvenes, en comunión con la del legendario maestro Abraham García. Gratisimo conocer y escuchar a Kreils García cantar, la famosísima Dime que si de Cangrejo y con él, así como el RapCan, que no escuchábamos desde el tiempo de las clandestinas grabaciones en cassettes que compartimos en los años 90. ¡Que alegría, que familiaridad, que dicha! Al terminar el concierto pregunté sobre unos dibujos que llamaron mi atención, todos señalaron a su autor: Cangrejo. Allí comenzó el descubrimiento del dibujante, y surgió la idea de realizar una muestra de sus dibujos que concretamos un año más tarde: "Rockarte, Cangrejo Muestra sus dibujos" y que tuve el honor de curar en el Museo de Bellas Artes (2018). 

 

Serie Lanceros de la independencia de Venezuela. Dibujo de Abraham García (Cangrejo) 

Cangrejo fue un artista en todas sus facetas: una gran sensibilidad y conciencia de ser venezolano, había viajado a Estados Unidos junto a los integrantes de su banda, había vivido y dibujado también allá. Tenía palabras, expresiones muy venezolanas: "mijita, mijito, ah puem!", hablaba también con una cierta musicalidad, e imprimía humor y sarcasmo contra todo lo establecido, se burlaba de todo, del poder, de las poses, de lo que le parecía impostura, era un lector, le gustaba leer la historia de Venezuela, en sus dibujos hay una serie de "Lanceros de la independencia", en otras series aparecen políticos y escenas del mundo de la música. En su obra dibujística es constante la presencia del cómic, construye cómics presentados en un plano con texto que revelan su mirada como artista, su opinión sobre sucesos acaecidos en nuestro país. Dentro de sus dibujos, -que muchas veces recuerdan las líneas de grabados- encontramos diseños de pañoletas con calaveras, bocetos de dibujos realizados para estampar telas con esqueletos o para ser grabados en vidrio en diseño interior, pensados para formar parte de viviendas particulares, también una Serie de "Chapitas" para usar como prendedor, complemento de la vestimenta.

Cengrejo pensaba y hacía arte como un todo, era sofisticado, se maquillaba antes de los conciertos, una suerte de manierista venezolano, hacía las cosas a su manera. El poeta español Federico García Lorca, en su Teoría y Juego del Duende dice: "la llegada del Duende presupone siempre un cambio radical en todas las formas sobre planos viejos, da sensaciones de frescura totalmente inéditas, con una calidad de rosa recién creada, de milagro, que llega a producir un entusiasmo casi religioso". Eso es lo que producía lo que Cangrejo hacía, bien lo señala Kreils García en un texto sobre su maestro y amigo: "No existe lógica en su cuento, pues Cangrejo no es de los que toman el camino que recorren otros, él arma sus estrafalarios senderos y los transita sin prejuicios y así también su canción. Un paso a la vanguardia, al principio suena rara esa vaina, y eso es lo bueno, sonar auténtico en estos tiempos, mi madre que diabólico, también místico.".

Para clausurar la muestra de sus dibujos en el Museo de Bellas Artes, Cangrejo tocó en acústico junto a su compañero de La Seguridad Nacional, el músico Gustavo Corma, varias de sus canciones. Gustavo nos señala también en un escrito sobre él: "En todas sus actividades artísticas, desde la música y la actuación, hasta sus dibujos, caricaturas y pinturas, Abraham mantiene una búsqueda implacable y casi obsesiva por su peculiar concepto de belleza y perfección (...) su escuela ha sido (...) la vida misma, Cangrejo aprende oyendo y mirando a los grandes artistas y a la madre naturaleza, escuchando y observando con atención casi ritualista, captando como pocos pueden hacerlo el sentimiento y el ritmo interno de la música y el arte en general".

Cabe destacar, que los dibujos de Cangrejo fueron bien recibidos y comentados por los maestros de las artes plásticas e intelectuales de diferentes disciplinas: el profesor Zacarías García, el personal del Museo de Bellas Artes integrado por egresados del otrora Instituto Superior de Artes Plásticas "Armando Reverón" (hoy UNEARTE), el fotógrafo y Premio Nacional de Fotografía Rodrigo Benavides, el historiador Luis Felipe Pellicer, el narrador Luis Laya que también escribió una crónica sobre Cangrejo y la Seguridad Nacional, entre músicos de variados y disímiles géneros musicales (Martha Doudiers, Kara Febles y Moisés), entre los poetas, performancistas, actores, bailarines y entre muchos otros. Wahari Meléndez, el joven músico académico con el que comenzó ésta crónica, escribió: "Cangrejo me enseñó una de las cosas más valiosas, aprender a escuchar la música y entenderla como un todo, no solo musical, sino también a nivel sonoro, social y poético, algo que ni el conservatorio, ni la universidad, ni ninguna formación académica me había permitido entender o al menos asumir hasta el día de hoy." Abraham García, surcó un camino en el que fusionó arte y vida en ejemplo de libertad espiritual y creadora, esto repercutió en las nuevas generaciones, hoy Cangrejo continúa vivo en su legado artístico y musical.

 

Ximena Benitez

 

 

Caracas, 16 de agosto de 2025

 

 

 

 

  

Abraham García Cangrejo, músico y artista plástico venezolano. (Caracas,1955-Mérida, 2025) 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Declaración de amor

 

Bárbaro Rivas. 

Placita de Petare en 1910. 1953. Guache sobre papel 56,8 x 69,8cm. 

Galería de Arte Nacional

Amo esta tierra

la de mis abuelos / mis bisabuelos

mis hijos

¿arraigo?

desabrigada voluntad

que no transitoria

ni febril

sino

lluvia

porvenir de humanidad

luminosa constante

de renacimiento

Ximena Benítez

21 de enero de 2024

Nota:

Bienvenido el 2025, en el año 2024 no publiqué nada en este blog, fue un año de silencio, cambios y trabajo. Esperamos que este sea de concretar proyectos y de aventurarnos en nuevos ámbitos. 

 

 

El Eclipse

Calendario Maya

El Eclipse 

Augusto Monterroso 

Cuando fray Bartolomé Arrazola se sintió perdido aceptó que ya nada podría salvarlo. La selva poderosa de Guatemala lo había apresado, implacable y definitiva. Ante su ignorancia topográfica se sentó con tranquilidad a esperar la muerte. Quiso morir allí, sin ninguna esperanza, aislado, con el pensamiento fijo en la España distante, particularmente en el convento de Los Abrojos, donde Carlos Quinto condescendiera una vez a bajar de su eminencia para decirle que confiaba en el celo religioso de su labor redentora. 

Al despertar se encontró rodeado por un grupo de indígenas de rostro impasible que se disponían a sacrificarlo ante un altar, un altar que a Bartolomé le pareció como el lecho en que descansaría, al fin, de sus temores, de su destino, de sí mismo. 

 Tres años en el país le habían conferido un mediano dominio de las lenguas nativas. Intentó algo. Dijo algunas palabras que fueron comprendidas. 

Entonces floreció en él una idea que tuvo por digna de su talento y de su cultura universal y de su arduo conocimiento de Aristóteles. Recordó que para ese día se esperaba un eclipse total de sol. Y dispuso, en lo más íntimo, valerse de aquel conocimiento para engañar a sus opresores y salvar la vida. 

-Si me matáis -les dijo- puedo hacer que el sol se oscurezca en su altura. Los indígenas lo miraron fijamente y Bartolomé sorprendió la incredulidad en sus ojos. Vio que se produjo un pequeño consejo, y esperó confiado, no sin cierto desdén. 

Dos horas después el corazón de fray Bartolomé Arrazola chorreaba su sangre vehemente sobre la piedra de los sacrificios (brillante bajo la opaca luz de un sol eclipsado), mientras uno de los indígenas recitaba sin ninguna inflexión de voz, sin prisa, una por una, las infinitas fechas en que se producirían eclipses solares y lunares, que los astrónomos de la comunidad maya habían previsto y anotado en sus códices sin la valiosa ayuda de Aristóteles.

Augusto Monterroso: (Tegucigalpa, 21 de diciembre de 1921-Ciudad de México, 7 de febrero de 2003).  Narrador que nació en Honduras, se nacionalizó guatemalteco y se radicó en México.  Realizó obras literarias maestras en minificción.